Tracklist:01 Gangsta (No Friend Of Mine) with Fugees
02 Xcape
03 Why (With 3T)
04 What More Can I Give
05 Todo Para Ti (What More Can I Give (Spanish Version)
06 What More Can I Give/Todo Para Ti (Spanglish Version)
07 Let Me Let Go
08 Someone Put Your Hand Out
09 Shout
10 I Need You (With 3T)
11 Ride With Me (with Rodney 'Darkchild' Jenkins)
12 Biggerman
13 Get Out Of My Mind
14 Mamacita (With Santana)
part1
part2
Password: lime
CD 01
01. Adamski vs. Killers - Somebody Kill Me
02. Benny Benassi vs 50 Cent - Satisfaction in da club
03. Britney Spears vs Linkin Park - Faint Toxic
04. Clash vs. Gwen Stefani - Radio Hollaback
05. Death Cab for Madonna - Hung Up on Soul
06. Eminem vs Shakira - Without Wherever
07. Global Deejays Vs Benny Benassi - San Fransisco Dreaming
08. Gnarls Barkley vs. Donna Summer - I Feel Crazy
09. Michael Jackson vs. Nelly Furtado - Promiscuous With You
10. Gorillaz vs. No Doubt vs. Deep Purple - Hella Dare You to Smoke
11. Green Day & Oasis - Blvd of Broken Song
12. Justin Timberlake vs Missy Elliot - Like I Punk You
13. Kernkraft 400 Vs. Danzel - Zombie Nation is Pumpin It Up
14. Madonna vs Kelis - Holiday Milkshake
15. Tom Tom Club vs. Fergie - Genius of London
16. Switch vs. Khia vs. Laid Back - Get Laid With Khia
17. Panjabi MC vs. Tarkan - Yakalarsam
18. Pink vs. The Vines - Free Party
19. Shaggy vs. Holly Valance - Mrs At Kiss
20. Veruca Salt vs. Pussycat Dolls - Dontcha Wish Your Seether Was a Freak Like Me
21. Technotronic vs Justin Timberlake - Pump up the jam like I love you
22. The Black Eyed Peas vs Kylie Minogue - Can't Get You To Shut Up
23. Usher Vs Queen - Yeah Bites Us
Parte1
Parte2
CD 02
01. Gwen Stefani vs Black Eyed Peas - My Hollaback Girl's Humps
02. Teriyaki Boyz vs Sean Paul - Tokyo Drift
03. Rihanna vs Def Rhymz - SOS chudden
04. Beyoncé & Jay-Z vs Pussycat Dolls - Deja Vu Buttons
05. Famous vs Shaggy & Yalin - Degmez
06. Eminem vs Justin Timberlake - Cry Me A Superman
07. Janet Jackson vs. Raw Audio - When I Think Of You
08. Lynyrd Skynyrd vs Nelly - Sweet Home
09. Nelly Furtado vs The Killers - Some Man Eat Me
10. Pheugoo vs Pussycat - When The Pussycat Dolls Cry
11. Prodigy vs Enya - Smack My Bitch Up The Orinoco
12. The Prodigy vs Gwen Stefani - What You Smacking My Bitch For
13. James Brown vs Prince - Sex Kiss Machine
14. Fedde Le Grand vs Sean Paul - Put Your Hands Sean
15. Mason vs Princess Superstar - Smack That Perfect Exceeder
16. Big Bass vs Michelle Narine - What You Do
17. Greg vs Jeroenski & Roog - Your Mind Is Twisted
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CD 03
01. Axwell vs Dada - Watch The Lollipop
02. Sesa vs Tom Novy - Bonstair Body
03. Linkin Park vs Jay-Z - Jigga What Faint
04. Christina Aguilera vs Rihanna - Tell Me Umbrella
05. Sean Paul vs Snap - Temperature is A Dancer
06. Starsailor vs Blur - More on the floor
07. Bob Sinclar vs Destiny's Child - Say My Name In The Party
08. Snap vs Motivo - The Power of Bhangra
09. David Guetta vs Mason - Money Exceeder
10. Stylophonic vs Folklorista - The Final Dancefloor
11. Madonna vs Justin Timberlake - Jump My Love
12. Pink vs Miami Bass - Get The Bass Started
13. Benny Benassi vs The White Stripes - Seven Nation Army
14. Fergie vs Nelly Furtado - Fergalicious Maneater
15. Martin Solveig vs Michael Jackson - Jealousy Criminal
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high voltage (australian version) : www.mediafire.com/?b4caale1tob
T.N.T. : www.mediafire.com/?f4iety2mltg
high voltage (us version) : www.mediafire.com/?30nlyierjrp
dirty deeds done dirt cheap (austrailian version) : www.mediafire.com/?5c52trjljxe
dirty deeds done dirt cheap (us version) : www.mediafire.com/?220bdjydmpt
let there be rock (australian version) : www.mediafire.com/?2bx1d0xxzx1
let there be rock (us version) : www.mediafire.com/?0xyezbenmtu
powerage : www.mediafire.com/?5mc9j1d9i31
if you want blood you've got it : www.mediafire.com/?7mrcovmdqfz
highway to hell : www.mediafire.com/?0pjpto1pzvj
'74 jailbreak : www.mediafire.com/?8nxtpcmmk0l
the old waldorf : san francisco,ca 4.3.77 : www.mediafire.com/?9vj29jgix22
new york 1977 : www.mediafire.com/?36ylazgvhmb
live from the atlantic studios 12.7.77 : www.mediafire.com/?bfcdvjy9vcd
paris : the pavillon 12.9.79 (bon's last show) : www.megaupload.com/?d=2BZAWSPE
Together (1972)
Here We Are (1973)
Jane III (1974)
Lady (1975)
Fire Water, Earth & Air (1976)
Live - At Home (1976)
Between Heaven And Hell (1977)
Live '77 (1977)
Age Of Madness (1978)
Sign No. 9 (1979)
Germania (1982)
Beautiful Lady (1986)
Resurrection (1996)
Genuine (2002)
Shine On (2003)
Live In Dortmund (2006)
Voices (2006)
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Together (55,68MB)
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Here We Are (87,46MB)
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Jane III (38,15MB)
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Lady (86,64MB)
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Fire, Water, Earth & Air (74,25MB)
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Live - At Home - parte 1 (78,79MB)
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Live At Home - parte 2 (75,97MB)
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Between Heaven And Hell (42,29MB)
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Live '77 - parte 1 (90,1MB)
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Live '77 - parte 2 (49,21MB)
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Age Of Madness (41,15MB)
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Resurrection (81,53MB)
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Monday, 22 October 2007
The photo becomes a painting of great value. Paintings go with the materials, temperas oil colors, crayons and pencils for everybody to choose his/her portrait.
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Monday, 22 October 2007
Heart is the love symbol of the feeling joining lovers.
Many ardent and passionate interpretations of that element which makes our life beat.
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Sem dúvida uma das marcas do Climax Blues Band é exatamente em apresentar a sofisticação de sua música aliada a uma base marcante de blues, porém sem repetições (algo que normalmente marca algumas bandas do estilo). Independente de alcançar sucesso ou não, o CBB teve como mérito exatamente adotar uma moda iniciada no final dos anos 60, porém conseguir durante sua trajetória marcar seu estilo, evoluir a cada disco e deixar um legado de uma música de ótima qualidade. Evoluindo entre blues, soul e toques jazzísticos, com um vocal bem arranjado, Gold Plated é um álbum que bem mostra o trabalho do guitarrista Peter Haycock, o sax e vocal de Collin Cooper e marcantes linhas de baixo de Derek Holt marcas registradas dessa que é uma das grandes bandas dos 60/70.
01-Together And Free
02-Mighty Fire
03-Chasing Change
04-Berlin Blues
05-Couldn't Get It Right
06-Rollin' Home
07-Sav'ry Gravy
08-Extra
tracks
09-Fat Maybellene
10-Chasing Change
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Mais um Passport, e este muito especial. Banda alemã liderada pelo saxofonista Klaus Doldinger, aqui se apresenta em Montreux, Suíça, ao lado de outros grandes nomes do Jazz. Como convidados, a fabulosa Etta James cantando o que sabe, Blues; Herbie Mann, Average White Band, de soul music e outros músicos, entre eles o grande Jeff Berlin participam deste grande encontro de improvisações e grandes melodias, além de clássicos do Blues. Entretanto, é o som do Passport que se destaca, com os solos de Kevin Mulligan, esse grande guitarrista.
Sem dúvida é um disco imperdível, no qual se deixa entrever a beleza das interpretações dessa banda que muitos consideram fria, crítica, porém, que se torna infundada ao ouvir este ao vivo.
Live double album recorded at the Montreux Jazz Festival in 1977 & 1980 and at concerts in Stuttgart and Mainz in June, 1980.
Side 1: Featuring Klaus Doldinger, Kevin Mulligan, Hendrik Schaper, Dieter Petereit & David Crigger
1. Introduction by Claude Nobs
2. Shirokko
3. Guna Guna
4. Bahia Do Sol
Side 2: Featuring Klaus Doldinger, Kevin Mulligan, Hendrik Schaper, Dieter Petereit & David Crigger
1. Morning Sun
2. Fairy Tale
3. Ostinato
Side 3: Featuring Klaus Doldinger, Dick Morrisey, The Average White Band (Molly Duncan, Roger Ball, Onnie McIntyre, Hamish Stuart, Alan Gorrie & Steve Ferrone), Sonny Fortune, David Newman, Jaroslav Jakubovic, Herbie Mann, Jim Mullen, Raphael Cruz, Sammy Figueroa, Richard Tee, Jeff Berlin, Steve Jordan, Brian Ray & Etta James.
1. Jadoo
2. Sambukada
3. Stormy Monday Blues
Side 4: Featuring Klaus Doldinger, Kevin Mulligan, Hendrik Schaper, Dieter Petereit & David Crigger
1. Ataraxia
2. Dreamware
3. Alegria
(note that this info is for the LP version)
Links
part I http://link-protector.com/297579/
Part II http://link-protector.com/297580/
Postado por Renato e Renata às 11:17 0 comentário
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More info:
The Manhattan Transfer es uno de los grupos vocales relacionados con el jazz mas populares. Cultiva con igual gusto el jazz y otros géneros (rhythm & blues, rock and roll, samba, bossa nova) y es maestro en el arte del vocalese, un estilo que consiste en añadir letras a piezas instrumentales de jazz. Sus delicadas armonías se inspiran en la estructura que tenía la sección de saxos de la histórica orquesta de Count Basie, conjuntado las voces soprano, alto, tenor y bajo. Los numerosos premios Grammy que ha obtenido y los millones de ejemplares que han vendido sus más de veinte discos dan testimonio de su calidad y de su impacto en todo tipo de públicos.
Corría el año 1972 cuando Tim Hauser trabajaba como taxista en Nueva York mientras acariciaba la idea de formar un grupo vocal. Un día llevó como pasajera a Laurel Massé y descubrieron que tenían las mismas inquietudes. Poco después, Hauser conoció en una fiesta a Janis Siegel y la convenció de que abandonase el grupo de folk en el que estaba para unirse a su proyecto. The Manhattan Transfer se fundó oficialmente el 1 de octubre de 1972, cuando se incorporó Alan Paul, que entonces era un galán de Broadway y había participado en la producción original de Grease. El cuarteto dio sus primeros pasos artísticos en clubs de Nueva York y grabó su primer disco, The Manhattan Transfer, en 1975. Curiosamente, el segundo y el tercero, Coming Out y Pastiche, tuvieron más éxito en Europa que en Estados Unidos.
Una de las fundadoras del grupo, Laurel Massé, lo abandonó en 1978 para seguir en solitario y fue reemplazada por Cheryl Bentyne. En el siguiente disco, Extensions, figuraba la canción Birdland, una recreación del tema de Weather Report que se convirtió desde entonces en seña de identidad de Manhattan Transfer. Joe Hendricks puso letra a la composición de Joe Zawinul y Janis Siegel le hizo los arreglos vocales. Fue su primer premio Grammy, además del disco de jazz que más se escuchó en la radio en 1980. Al año siguiente, se convirtieron en el primer grupo que ganaba simultáneamente el Grammy en las categorías de pop (con Boy from New York City) y jazz, con Until I Met You (Corner Pocket). Ambas canciones pertenecían al LP Mecca for Moderns. Los Grammy se sucedían uno tras otro: en 1982 lo ganaron con Route 66.
Su mayor impacto estaba aún por llegar. Fue en 1985, cuando sacaron Vocalese con la colaboración de Jon Hendricks, el maestro en el arte de poner letras a temas clásicos de jazz. La canción que daba título al disco recibió doce nominaciones al Grammy, lo cual era un récord superado sólo por Thriller de Michael Jackson. Ganó el premio en dos categorías, Mejor Arreglo Vocal y Mejor Interpretación Vocal de Jazz. También el LP siguiente, Brasil, se alzó con un Grammy, así como el tema Sassy, incluido en el disco The Offbeat of Avenues, de 1991. A continuación, publicaron un disco con canciones navideñas y otro con canciones infantiles. Durante toda la década de los 80, Manhattan Transfer encabezó siempre la clasificación de grupos vocales de la revista Down Beat.
A Tonin’ (1995), en el que colaboraron grandes artistas del campo del pop, rhythm & blues y soul, le siguió Swing (1997), en un estilo que se identifica más con el jazz y en el que empleaban arreglos de Benny Goodman, Count Basie, Django Reinhardt y Fletcher Henderson. Aquel año actuaron en el Festival de Donostia-San Sebastián Jazzaldia dentro de la gira de celebración del vigésimo quinto aniversario de la fundación del grupo. Swing se convirtió en uno de los mayores éxitos de The Manhattan Transfer en tiempos recientes. The Spirit of St. Louis (2000) era una inspirada interpretación de la música de uno de los genios artísticos del siglo XX, Louis Armstrong. Couldn’t Be Hotter (2003) precede al que hasta el momento es el último disco del célebre cuarteto vocal hasta la fecha: Vibrate grabado en 2004 para el sello Telarc.
Aparte de su carrera dentro de The Manhattan Transfer, todos sus componentes han hecho carrera en solitario. La última novedad en ese sentido es la reciente salida del disco Sketches of Broadway de Janis Siegel.
texto tomado de: www.apoloybaco.com
tracks
1. Soul Food To Go
2. The Zoo Blues
3. So You Say
4. Capim
5. Metropolis
6. Hear The Voices
7. Agua
8. The Jungle Pioneer
9. Notes From The Underground
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Si "Qué Pasa," el debut de GATO BARBIERI, para la casa disquera Columbia Jazz grabado en el 1997 después de una ausencia del estudio de grabación de 10 años, fue considerado como su regreso triunfal, su nueva producción CHE CORAZON, puede ser considerado como su renacimiento. La realidad es que con CHE CORAZON producido por Chuck Loeb, y con GATO BARBIERI como productor ejecutivo, el legendario saxofonista celebra su compromiso con la vida.
"Este disco es como una biografía," dice GATO BARBIERI, quien le dedicó varias canciones de CHE CORAZON a su sobrina, su mamá, y su recién nacido hijo Christian. "Se siente un poco nostálgico. Tiene que ver con amigos y familia." Su composición original (hay ocho en el disco) SWEET GLENDA, dedicada a su sobrina, es una movida cha cha chá donde se destacan algunos de los músicos que han tocado con GATO: el bajista Mario Rodríguez, el baterista Robbie González, el pianista Bill O’Conell y Richie Flores en la percusión. Para el tema "1812" GATO cambia el ritmo con el sentimiento brasileño de la zamba, mientras su tono robusto se une con el ritmo. Demostrando su sonido apasionado, el tema SEVEN SERVANTS es un bolero romántico donde al tenor de GATO se añade a una sección de cuerdas bajo la dirección de Loeb. Su interpretación del conocido tema AULD LANG SYNE, promete ser un himno que nos lleva al nuevo milenio; y que coexistirá junto a su otro conocido tema EUROPA. El cantante Frank McComb interpreta el tema I WANT YOU. Esta canción fue originalmente interpretada por uno de los cantantes favoritos de GATO, Marvin Gaye.
LEANDRO "GATO" BARBIERI nació en el pueblo de Rosario en Argentina. Su educación musical empezó con su familia. Su padre tocaba el violín su hermano mayor tocaba la trompeta y su tío era saxofonista. Aunque el tango es la música popular de Argentina, fueron los sonidos del jazz americano lo que motivaron a GATO. A los 12 años de edad ya conocía la música de las grandes figuras del jazz como Charlie Parker y Dizzy Gillespie. En el 1945 su familia se mudó para Buenos Aires, una de las ciudades más cosmopolitas de América Latina, y en el 1951 hizo su debut como jazzista en una banda del pianista Lalo Schifrin.
"Durante esa época Juan Perón estaba en el poder," dice BARBIERI, del dictador argentino. "No se podía tocar solamente jazz, había que incluir música tradicional también. Tocábamos tango y otros ritmos como carnavalito." Durante esa época GATO fue adquiriendo una rica variedad de experiencias tocando con combos pequeños como el de Schifrin, con bandas grandes, orquestas y también acompañada músicos que visitaban el país. Tuvo la oportunidad de tocar con el pianista cubano Pérez Prado, conocido durante ese tiempo como el rey del mambo.
Para el 1962 se trasladó a Roma, donde conoció el fenecido trompetista Don Cherry, quien era mejor conocido por su trabajo con Ornette Coleman, el líder del jazz experimental. Cherry invitó a GATO a que se uniera a su grupo y trabajaron juntos por dos años. "Tocar con Don fue difícil," dice GATO. "El cambiaba los temas muy rápido, entonces aprendí a tocar más rápido. También aprendí disciplina." En Europa GATO también grabó con el saxofonista americano Steve Lacy y el pianista africano Abdullah Ibrahim, conocido en esa época como Dollar Brand.
Tres años después BARBIERI salió hacía Nueva York donde grabó con Don Cherry para el sello Blue Note. Ellos grabaron dos discos, COMPLETE COMMUNION y SYMPHONY FOR IMPROVISORS, los cuales son considerados como clásicos en el género del jazz experimental. También el saxofonista grabó con el bajista Charlie Haden y Carla Bley y la Jazz Composers Orquestra, además con Stanley Clarke, Airto Moreira, Chico O’Farrill, Lonnie Liston Smith y otros.
Al finalizar la década el interés de GATO en el jazz experimental fue disminuyendo y comenzó a explorar sus raíces latinas. El resultado de esa exploración culmina con la producción de su primer disco como líder en el 1970, THE THIRD WORLD fue grabado para el sello Flying Dutchman. BARBIERI combinó su talento para la improvisación y su sonido apasionado con una sección de ritmo compuesto por músicos que tocaban instrumentos tradicionales de América Latina. Se puede decir que GATO fue uno de los primeros en grabar lo que hoy en día se llama world music." BARBIERI continuó explorando los temas latinoamericanos con los discos FENIX y EL PAMPERO.
Mucha gente no conocen esos discos," dice el saxofonista de su trabajo del 1970-73. Pero para el 1973, gracias a la película Last Tango in Paris, del director italiano Bernardo Bertolucci, BARBIERI empieza a disfrutar de un tremendo auge en su popularidad, particularmente en Europa. Fue el saxofonista quien compuso y interpretó el tema de esta película, la cual ganó un premio Grammy para la mejor composición instrumental.
GATO compuso música original para más de una docena de películas en Europa, América Latina y Estados Unidos. "La última película que hice fue en el 1996, se llamaba Seven Servants." Anthony Quinn también estaba en la película, pero se estrenó solamente en los festivales de cine en Europa. "El tema de Seven Servants está incluido en CHE CORAZON.
Al empezar los años ’70 GATO grabó una serie de cuatro discos llamados LATIN AMERICAN CHAPTERS para la casa disquera ABC Impulse, luego en el 1975 firmó con la compañía A&M. Los cinco discos que iniciaron esta nueva etapa de su carrera, empezando con CALIENTE y el último EUPHORIA también presentó un estilo nuevo en la música de GATO. Aunque su música mantenía el sabor latino, ya no enfatizaba los temas o ritmos folklóricos. De nuevo GATO se encontraba en la vanguardia cuando comenzó a grabar un estilo de jazz más melódico. El tema de Santana EUROPA, grabado por GATO en el 1976, representa su nuevo estilo, y fue adaptado como himno cuando las emisoras radiales iniciaron el nuevo formato de jazz contemporáneo (NAC/Smooth jazz) que se estableció en el 1987.
Con el éxito de Qué Pasa, que llegué a la posición numero cuatro en ventas para el jazz contemporáneo en el 1997 según la revista Billboard, GATO BARBIERI se estableció de nuevo como una de las fuerzas más importantes del jazz. Nos recuerda también como echamos de menos su ausencia del estudio de grabación debido a la enfermedad y la muerte de su esposa y manejadora Michelle, por más de 30 años. Luego de su muerte, seis semanas después GATO fue sometido a una operación para su corazón.
Ahora con un nuevo matrimonio y un nuevo hijo. GATO nos da el ejemplo que nunca es muy tarde para empezar de nuevo.
CHE CORAZON demuestra la pasión que ha capturado los corazones y la imaginación de millones de fanáticos de GATO por todo el mundo a través de más de 30 años. No importa el estilo jazz experimental, su mezcla de jazz con los ritmos latinos o ahora el jazz contemporáneo, el ingrediente principal es su sonido que lo deja saber que solamente puede ser el caballero del sombrero, negro, GATO BARBIERI. "Es la melodía," dice el saxofonista de su arma secreta. "¡La melodía es lo más importante!"
texto tomado de:
http://www.plazaboricua.com/anil/archivo/tiempolibre2/mas_son/artistas1_9/barbieri_060199.htm
trax
1. Introduction
2. Cristiano
3. I Want You
4. Seven Servants
5. Blue Eyes
6. Eclipse
7. 1812
8. The Woman OnThe Lake
9. Rosa
10. Sweet Glenda
11. Encounter
12. Auld Lang Syne
13. Finale
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Vuelta del Gato al mundo discográfico, tras una prolongada ausencia de 10 años, motivada según muchos por una fuerte depresión por la partida al otro mundo de su mujer y mentora, Michelle...
El disco tiene momentos realmente prodigiosos. Por ejemplo, un cover totalmente creativo de un tema de Stevie Wonder; una entradora, emotiva "Straight into the Sunrise"; y, fundamentalmente, una tesitura muy cachonda y erótica que le da un clima general de ese tono a todo el disco.
Que les guste... y gracias Kepa!!!
trax
1. Straight Into The Sunrise
2. Blue Gala
3. Mystica
4. Dancing With Dolphins
5. Circulos
6. Guadeloupe
7. Cause We've Ended As Lovers
8. Indonesia
9. The Woman I Remember
10. Granada
11. Adentro
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Gato Barbieri es sin dudas uno de los mas legendarios músicos de jazz que Argentina ha dado al mundo.
Comenzó muy joven con el aprendizaje del clarinete. Sus primeros pinitos como músico profesional los dio con el gran Lalo Schifrin y su orquesta , interpretando tango, carnavalito y música popular argentina.
Gato, después de la experiencia con Schifrin, tocó jazz de vanguardia, para en los 70, decantarse por el Jazz Latino y ya en los 80 jugar con la música de fusión con gran talento y originalidad. Es en la actualidad un referente para innumerables músicos jóvenes y menos jóvenes.
El disco que nos pedisteis es Ruby, Ruby, del año 1977 , de marcado carácter latino y baladístico, en donde colaboraron músicos de la talla de Herb Alpert, Lee Ritenour, Steve Gadd o Paulinho Da Costa. Y cuenta con composiciones de Barbieri, Herb Alpert, Marvin Gaye o Stevie Wonder.
Esperamos os guste.
Temas:
* Ruby
* Nostalgia
* Latin Reaction
* Ngiculela-Es Una Historia-I Am Singing
* Sunride
* Adios
* Blue Angel
* Midnight Tango
Músicos:
Gato Barbieri - Saxo Tenor
Wayne Andre - Trombón
Joe Caro - Guitarra
Joe Clayton - Conga
Paulinho Da Costa - Percusión
Chuck Domanico - Bajo
Jon Faddis - Trompeta
Paul Faulise - Trombón
Steve Gadd - Batería
John Gale - Trompa
Peter Gordon - Trompa
Don Groinick - Órgano
Eddie Guagua - Bajo
Steve Jordan - Batería
Gary King - Bajo
Tom “Bones” Malone - Trompa
Eddie Martinez - Teclados
Cachete Maldonado - Percusión
Portinho - Percusión
Bernard “Pretty” Purdie - Batería
Lee Ritenour - Guitarra
Alan Rubin - Trompeta, Fliscorno
Lew Soloff - Trompeta, Fliscorno
David Spinozza - Guitarra
Marvin Stamm - Trompeta, Fliscorno
David Taylor - Trombón
Ian Underwood - Sintetizadores
Lenny White - Batería .
Label:
A&M , Febrero de 1977.
http://www.mediafire.com/
PASSWORD: zonadejazz
Gato Barbieri, descubre el saxo tenor gracias a un tío saxofonista y el jazz escuchando a Charlie Parker en 1944. Comienza tocando el requinto (clarinete pequeño). Durante cinco años toma clases particulares de clarinete en Buenos Aires, aunque también se interesa por el saxo alto y la composición.
En 1955 toca en la orquesta de Lalo Schiffrin, y adopta el saxo tenor. En 1962, tras un breve periodo de tiempo en Brasil, se instala en Roma y trabaja como con el guitarrista Jim Hall, y el trompetista Ted Curson. En 1965 conoce a Don Cherry en París y graba con él dos discos para Blue Note: "Complete Communion" (1965) y "Simphony For Improvisers"(1966). Graba por primera vez bajo su nombre en 1967 dos discos ("In Search Of The Mistery" y "Obsession"). Colabora luego con Carla Bley y con Charlie Haden en la "Liberation Orchestra".
Sus dúos con Dollard Brand (1968) le dan a su música un giro decisivo hacia sus raíces sudamericanas, y mas ampliamente, hacia las músicas del tercer mundo. Dirige numerosos grupos, en los que intervienen entre otros: Joe Beck, John Abercombie, Stanley Clarke, Ron Carter, Lennie White, Roy Haynes, o Airto Moreira. A pesar de su triunfo en el Festival de Montreux ("El Pampero") y de su celebrada participación en la banda sonora de la película "El ultimo tango en París" de Bernardo Bertolucci, Gato Barbieri, acentúa desde 1973, las referencias a sus raíces y se rodea de músicos sudamericanos, en especial en la serie "Chapter One" a "Chapter Four" para el sello Impulse. Luego su trabajo asume moldes mas comerciales y se aleja del jazz en beneficio de un público más amplio.
Receptor de la influencia coltraniana y, a la vez, marcado por su fructífera colaboración con el trompetista Don Cherry, Gato Barbieri se sitúa en el meollo de la problemática creada por la evolución del Freejazz durante los años sesenta. Hoy, Gato Barbieri, es un músico con enorme influencia y seguidores en el mundo del jazz y una de las figuras mas representativas del jazz que se hace en el cono sur de América.
trax
1. Cuando vuelva a tu lado
2. Nunca más
3. To Be Continued
4. Ngiculela - Es una historia - I´m singing
5. Europa
6. La podrida
7. Latin Lady
8. Marissea
9. Speak Low
10. Bahia
A comienzos de los ‘70, tres erráticos artistas de distintas partes del mundo confluyeron en una misma obra, que hoy es vista como uno de los pocos símbolos genuinos de la época. Último tango en París logró que Bernardo Bertolucci, Marlon Brando y Gato Barbieri se perdieran en esa ciudad melancólica y crepuscular en la que ya no había lugar para los sueños.
Estamos en España, en el año 1973. Hay una revuelta en torno al estreno de una película italiana. El régimen franquista prohíbe su proyección, por lo que los españoles deben ir a verla a la ciudad francesa de Perpignon, en la frontera. Se dirigen allí en extensas filas de automóviles.
La película ya arrastra polémicas desde su estreno en el Festival de Cine de Nueva York, el año anterior. En Italia, los medios de comunicación se escandalizan. Una corte romana ordena que todas las copias de la película sean requisadas y quemadas, y que a su director se le revoquen los derechos civiles por cinco años.
Mientras tanto, en Buenos Aires, la película permanece en cartelera sólo un fin de semana. Después es levantada con alguna excusa legal y se le inicia un juicio a los responsables de su exhibición.
Pero retrocedamos un poco en el tiempo. Se sabe que, antes de iniciar el rodaje de Último tango en París, todos estaban un poco perdidos. En un principio, Bernardo Bertolucci, su director y guionista, quería hacer una película sobre la pareja, sobre las relaciones. Quería probar, según sus propias palabras, “que es imposible para dos seres humanos reducir su soledad a sólo animalidad” Sin embargo, más tarde, el cineasta comprendió sin esfuerzo que “estaba realizando una película sobre la soledad, es decir, todo lo contrario de lo que pretendía”. En verdad Bertolucci ha confesado que “siempre había deseado encontrarme con una mujer en un
piso vacío, que no se sabe bien a quién pertenece, y hacer el amor con ella, sin saber quién es, y repetir ese encuentro hasta el infinito”. Y esa es, en parte, la historia que cuenta en Último tango en París. Ese es el desarrollo de su obsesión personal. Por otra parte, Marlon Brando, su protagonista, tampoco sabía bien “de qué iba la película”. Sólo se limitaba a estar ahí, esperando a que empezara el rodaje en pleno invierno parisino, algo extrañado de que todo el equipo de filmación estuviera totalmente hipnotizado por su presencia de leyenda viviente. Había visto la película anterior de Bertolucci, El conformista (1970), y lo consideraba un hombre “con un
talento especial”. Bertolucci esperaba que Brando improvisara, le habló de la idea general de lo que quería y dejó que el actor lo construyera todo. Sin embargo, sólo una vez que Brando se conoció bien con su coprotagonista, la joven María Schneider, pudieron seguir filmando. De otra forma hubiera sido imposible. A pesar de que venía de ganar un Oscar por su interpretación en El Padrino -y de rechazarlo en la misma ceremonia de entrega en protesta por la degradación que había hecho Hollywood de los indios norteamericanos- no habían sido buenos tiempos para Brando. Desde fines de los ’60 su conducta se había desviado un poco de la esperada: no
se aprendía sus líneas, llegaba tarde a los rodajes, a menudo trabajaba borracho y se negaba a promocionar las películas. Incluso Francis Ford Coppola tuvo que batallar largamente para que los productores de El Padrino le permitieran dar el papel a Brando, que se había presentado a la prueba de actores disfrazado y con algodones en la boca porque “le daba pereza ponerse a
construir un personaje”. De modo que no se equivocan quienes dicen que Bertolucci lo vio decaer y pensó que el cine europeo sería, probablemente, el único capaz de salvar a Marlon Brando. Pero ya era demasiado tarde. Era el fin. Brando se dedicaría luego a desaparecer o a destruir su propia figura. Quizás por eso su actuación en Último tango en París sea tan importante. Acaso sin
saberlo, comenzaba a despedirse con una interpretación visceral y escalofriante, que lo encontró justo en su madurez creativa; una interpretación que poco tenía que ver con sus formidables técnicas del Actor’s Studio; una interpretación feroz que le exigía su propio dolor y tormentos, su propio pasado, su propia desesperación; una interpretación que pareció dejarlo desnudo ante las
cámaras, una representación extrema que en el fondo era pura improvisación y entrega absoluta, que lo dominaba por completo, que lo mostraba como un hombre trastornado y desorientado a quien ya nadie podría salvar.
Pero Brando no iba a ser el único elemento sobresaliente en la película de Bertolucci. Para la música, el director ya había pensado especialmente en alguien. Y no sólo quería que su obra tuviera una banda de sonido original, sino que además la idea era usar al saxo tenor como otro
protagonista de la historia, al músico como un coautor del guión. Y aquí entra en juego Gato Barbieri, que ya había colaborado con el director en la película Antes de la revolución (1964) Pero repasemos: Leandro Barbieri, músico argentino nacido en Rosario, clarinetista y luego saxofonista, que debía su descubrimiento del jazz a Charlie Parker, y que había formado parte, entre otras, de la orquesta de Lalo Schifrin en Buenos Aires, venía recorriendo el mundo con su música desde hacía un tiempo. Michelle, su esposa italiana, lo había arrancado de Argentina y se lo había llevado a Brasil y luego a Roma y más tarde a París, donde conoció al trompetista de jazz
norteamericano Don Cherry y con quien se fue a Nueva York y grabó dos discos para el mítico sello Blue Note: Complete Comunion (1965) y Simphony for improvisers (1966) En fin, Michelle había sido colaboradora, en Italia, de Pier Paolo Pasolini y de Bernardo Bertolucci. Y fue el
puente necesario. Con el primero le gestionó la música para la película Orestiada africana (1969), mientras Gato editaba algunos discos solistas. Hasta que finalmente llegó el turno de Último tango en París. Y Gato Barbieri se convirtió en un músico de fama internacional, indiscutible
resultado de sus circunstancias: compuso una banda de sonido inmortal y repleta de una tristeza infinita en el momento justo en que el público europeo se estaba interesando cada vez más en los artistas latinos. Ese año su disco se ganó el Grammy por la mejor composición instrumental.
Después de la película, naturalmente, cada uno siguió distintos caminos. Entre otras cosas, Bertolucci, que había empezado a escribir dos guiones más mientras rodaba en París, se embarcó en la épica 1900 (1976), a la que le dedicó tres años de su vida y casi un año de rodaje. A Marlon Brando lo esperarían su sorprendente participación en Superman (1978) y la interpretación del
desesperado y endiosado coronel Kurtz en Apocalipsis now! (1979), otra vez bajo las órdenes de Coppola.
Gato Barbieri tendría por delante incontables participaciones en festivales de jazz por todo el mundo, otras tantas bandas de sonido para películas (entre ellas, La guerra del cerdo, en 1975, de Leopoldo Torre Nilsson, adaptación de la novela de Bioy), la grabación para el sello norteamericano Impulse de la serie de discos Chapter One y Chapter Four, en los que incorpora raíces latinoamericanas, y el inevitable destino de misteriosa leyenda viviente de la música.
Pero aún faltaba un último encuentro. Algunos años después, Bertolucci y Brando coincidieron en una fiesta. Es preciso saber que, con el tiempo, Bertolucci también definió a la película como “una especie de documental sobre el actor”. Y esa noche, en un momento de la conversación, el cineasta se le acercó un poco más y le preguntó: “¿No crees que conseguí mi objetivo de
arrancarte la máscara?”. A lo que Marlon Brando, echándose un poco a reír, respondió: “¿Crees que ese era yo de verdad?”
TEXTO EXTRAIDO DE:
www.blogger.com/feeds/19711697/posts/default/7440075583036279767
trax
1. Last Tango In Paris
2. Jeanne
3. Girl In Black - Tango (Para Mi Negra)
4. Last Tango In Paris - Ballad
5. Fake Ophelia
6. Picture In The Rain
7. Return - Tango (La Vuelta)
8. It's Over
9. Goodbye (Un Largo Adios)
10. Why Did She Choose You?
11. Last Tango In Paris - Jazz
12-40: The Last Tango In Paris (Suite)
http://www.mediafire.com/
Cuando Joaquín me dijo que me enviaba "lo último de Martirio", me temí que estuviera haciendo referencia al último de Shakira o a alguna travesura de nuestra endemoniada Malena pero...no! nada que ver! Si hay algo que nunca vas a sentir escuchando este disco es un Martirio!
Fijate sinó lo que cuenta esta acertadísima reseña:
Valerie Joyce es una joven recién llegado a la escena musical …cantante y pianista Japonesa/Americana, que tiene un talento y el buen gusto musical innato. Tiene una voz intima, delicada que uno no puede sino detenerse y maravillarse. . Su proyecto es simplemente deslumbrante y funciona extremadamente bien con su estilo de Jazz/Cabaret. Esperamos poder saber màs de Valerie
Artist: Valerie Joyce
Title Of Album: The Look of Love: The Music of Burt Bacharach
Year Of Release: Sep 25, 2007
Label: Chesky Records)
Genre: Jazz, Vocal
Quality: MP3 / Joint Stereo
Bitrate: VBR kbit/s / 44.1 Khz
Total Time: 51:12 min
Total Size: 69 mb
WebSite: http://www.valeriejoyce.com/
Tracklist:
1 - Walk on By 4:54
2 - What the World Needs Now 5:44
3 - Alfie 4:08
4 - (They Long to Be) Close to You 4:28
5 - A House Is Not a Home 5:31
6 - The Look of Love 6:47
7 - Raindrops Keep Falling on My Head 5:12
8 - That’s What Friends Are For 4:50
9 - I Say a Little Prayer for You 3:49
10 - Arthur’s Theme (Best That You Can Do) 4:19
Valerie Joyce - vocals
David Hazeltine - music director / piano
Tony Reedus - drums
Paul Gill - bass
Diamond Life 1984
Tracklist
1. Smooth Operator
2. Your Love Is King
3. Hang On To Your Love
4. Frankie´s First affair
5. When Am I Going To Make A Living
6. Cherric Pie
7. Sally
8. I Will Be Your Friend
9. Why Can´t We Live Together
Promise - 1985
1. Is It A Crime
2.The Sweetest Taboo
3. War Of The Hearts
4. You´re Not The Man
5. Jezebel
6. Mr. Wrong
7. Punch Drunk
8. Never As Good As The First
9. Fear
10. Tar Baby
11. Maureen
Stronger Than Pride 1988
1. Love Is Stronger Than Pride
2. Paradise
3. Nothing Can Come Between
4. Haunt Me
5. Turn My Back On You
6. Keep Looking
7. Clean Heart
8. Give It Up
9. I Never Thought I´d See The Day
10. Siempre Hay Esperanza
Love De Luxe 1992
1. No Ordinary Love
2. Feel No Pain
3. I couldn´t Love You
4. Like A Tattoo
5. Kiss Of Love
6. Cherish The Day
7. Pearls
8. Bullet Proof Soul
9. Mermaid
Lovers Rock 2002
1. By Your Side
2. Flow
3. King Of Sorrow
4. Somebody Already Broke My Heart
5. All About Our Love
6. Slave Song
7. The Sweetest Gift
8. Every World
9. Immigrant
10. Lover´s Rock
11. It´s Only Love That Gets You Trough
The Best Of Sade
1.Your Love Is King
2. Hang On To &Your Love
3. Smooth Operator
4. Jezebel
5. The Sweetest Tabboo
6. Is It A Crime
7. Never As Good As The First Time
8. Love Is Stronger Than Pride
9. Paradise
10. Nothing Can Come Between Us
11. No Ordinary Love
12. Like A Tattoo
13. Kiss Of Life
14. Please Send Me Someone To Love
15. Cherish The Day
16. Pearls
Lovers Live (2002)
1.: Cherish The Day
2.: Somebody Already Broke My Heart
3.: Smooth Operator
4.: Jezebel
5.: Kiss Of Life
6.: Slave Song
7.: Sweetest Gift
8.: Sweetest Taboo
9.: Paradise
10.: No Ordinary Love
11.: By Your Side
12.: Flow
13.: Is It A Crime
more
Label: JSP
Year: 2005
Genre: Blues
Tracks: 9
Total Time: 50:06
Format: mp3, Bitrate: @ VBR 320
File Size: 62 MB + 51 MB
he began a three-year guitar apprenticeship in Koko Taylor’s high-flying Blues Machine. He also played in the late Willie Dixon’s Blues All-Stars and performed with his Dad at the 1983 Blues Festival - one of the event’s highlights. Along the way, Bernard picked up slide guitar tips from Johnny Winter and in the 80’s also learned from the late Stevie Ray Vaughan. With those experiences under his belt, Bernard moved to Paris in 1989 to live and play the blues with his father. He joined the tourband of Luther Allison after a furious collaboration of “Father & Son” at the ‘89 Chicago Blues Festival. A recording of this formation is to be heard on the Luther Allison album “Let’s Try It again” (RUF Records). Bernard released his first solo album in 1990 with the significant title “The Next Generation”. In 1999, two years after Luther passed away, Bernard decided to move back to the States to go back to his roots and push his career in his native country. Bernard seems to have inherited Luther’s knack for igniting audiences, but he’s no clone of his famous father. He is definitely blazing his own path with a style that reflects a unique mix of traditional and modern influences. The Allison torch has been passed, and it’s clear that Bernard takes his role as its bearer very seriously. He’s assumed the challenge of keeping the blues alive and growing - a commitment he renews every time he takes the stage.
Track List
1. Bottle Of Whiskey - (with Lucky Peterson)
2. Bluesman - (with Lucky Peterson)
3. Get Drunk And Pop The Trunk - (with Lucky Peterson)
4. Don’t Tie Me Down - (with Lucky Peterson)
5. I’m Praying For You - (with Lucky Peterson)
6. Where’s Lucky - (with Lucky Peterson)
7. Good To Me - (with Lucky Peterson)
8. Ain’t Nothing But The Truth - (with Lucky Peterson)
9. Take It Slow - (with Lucky Peterson)
Personnel:
Bernard Allison: (vocals, guitar);
Larry McRay: (vocals, guitar);
Carl Weathersby: (vocals, guitar);
John Colby: (piano, Fender Rhodes piano, Clavinet);
Lucky Peterson: (organ);
Johnny B. Gayden: (bass guitar);
Steve McCray: (drums)
Download:
parte1
1. Above the Treetops (2:43)
2. Facing West (6:05)
3. Cathedral in a Suitcase (4:52)
4. Finding and Believing (10:00)
5. Longest Summer (6:34)
6. Sunlight (3:53)
7. Rain River (7:09)
8. Always and Forever (5:26)
9. See the World (4:48)
10. As a Flower Blossoms (I Am Running to You) (1:53)
11. Antonia (6:11)
12. Truth Will Always Be (9:15)
13. Tell Her You Saw Me (5:11)
14. Not to Be Forgotten (Our Final Hour) (2:22)
Total Time: 76:22
Pass: Malcom’s
Pensem rápido: quantas bandas vocês conhecem estão juntas há 46 anos, com seu line-up clássico, em plena atividade e lançando uma média de (quase) 1 álbum por ano? E mais: em todos esses anos permaneceram antenados com tudo que acontecia na música mas sem perder a criatividade e identidade. De um início pop/psych ao hard que os catapultou à fama, a trajetória é irrepreensível. Querem mais? Ouso afirmar que, pertencessem ao eixo EUA-Inglaterra, estariam em pé de igualdade, em termos de popularidade e prestígio, com muitas bandas do primeiro escalão do rock. E ainda tem na liderança um guitarrista que é um tremendo compositor e criador de riffs absolutamente fantásticos.
Just Earrings
Winter-Harvest
Miracle Mirror
On The Double Pt 1 On The Double Pt 2
Eight Miles High
Golden Earring
Seven Tears
Together
Moontan
Switch
To The Hilt
Contraband
Grab It For A Second
No Promises...No Debts
Prisoner Of The Night
Cut
N.E.W.S.
The Hole
Keeper Of The Flame
Bloody Buccaneers
Face It
Love Sweat
Paradise In Distress
Millbrook USA
Live CD1 Live CD2
2nd LIVE CD1 2nd LIVE CD2
Something Heavy Going Down
CD 1 Pt1 CD 1 Pt2
!!!NOVO!!!
Finalmente, um novo cd de Joss Stone! E confesso ter ficado temeroso com o resultado pois, além de sua (prevista) saída da S-Curve -selo indie que a projetou- as resenhas que li apontavam uma 'leve modernização' em sua sonoridade mas, como estas mesmas destacavam, isso em nada afetou o excelente trabalho desta cantora muito especial. A menina continua sabendo muito bem onde pisa já que azeitou sua receita de vintage soul/r&b com pitadas modestíssimas de black contemporâneo e, para garantir a integridade, manteve-se como co-produtora. 'Introducing' está no mesmo excelente nível de seus trabalhos anteriores.
Mas ela continua me devendo um trabalho dedicado ao blues.
Dedico este post ao parceiraço Ser Da Noite, que não a conhecia e, ao assistir o dvd 'Mind, Body & Soul Sessions' em recentíssimo evento 'etílico cultural' na sede do G&B, ficou completamente fascinado com a voz, o talento e a maturidade artística da menina. E com a beleza, também, porque não?
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Chicane - Autumn Tactics
01 - Autumn Tactics (Chicane's End Of Summer Remix Radio Edit)
02 - Autumn Tactics (Chicane's End Of Summer Remix)
03 - Autumn Tactics (The Thrillseekers Remix)
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Chicane - Offshore
01 - Offshore (Disco Citizens Edit)
02 - Offshore (Original Mix)
03 - Offshore (Disco Citizens Remix)
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Chicane - Saltwater
01 - Saltwater (Original Radio Edit)
02 - Saltwater (Original Mix)
03 - Saltwater (Mothership Mix)
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Chicane - No Ordinary Morning
01 - No Ordinary Morning (Radio Edit)
02 - Halcyon (Original Mix)
03 - Halcyon (Airscape Remix)
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Chicane - Lost You Somewhere
01 - Lost You Somewhere (Radio Edit)
02 - Lost You Somewhere (Original Version)
03 - Lost You Somewhere (Heliotropic Remix)
04 - Lost You Somewhere (R.O.O.S. Remix)
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Chicane - Offshore '97
01 - Offshore '97 (Anthony Papa Bootleg Mix) R & D Edit
02 - Red Skies (Edit)
03 - Offshore (Disco Citizens Edit)
04 - Offshore (A Man Called Adam Remix)
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Pantera foi uma banda popular de Thrash Metal, originária da cidade de Arlington, Texas, EUA. Devido a conflitos internos, o grupo separou-se em 2003. No ano seguinte, o guitarrista da banda, Dimebag Darrell, foi atingido mortalmente a tiro em palco enquanto tocava com a sua nova banda, Damageplan.
Fonte: Wikipédia.
Albuns
Senha pra descompactar os albuns: BUNALTI.COM
1983 - Metal Magic
1984 - Projects in the Jungle
1985 - I Am The Night
1988 - Power Metal
1990 - Cowboys From Hell
1994 - Far Beyond Driven
1996 - The Great Southern Trendkill
1997 - Official Live: 101 Proof
2000 - Reinventing The Steel
Cream foi uma banda de rock seminal dos anos 1960 formada pelo guitarrista Eric Clapton, o baixista Jack Bruce e o baterista Ginger Baker.
Célebres como o primeiro power trio do rock, o som da banda era caracterizado por uma mistura de blues e psicodelia, combinando a maestria de Clapton com a voz suave de Bruce e, às vezes, o ritmo maníaco de Baker. O Cream representa o som energético da época, ancorado em um familiar estilo blues; de clássicos tradicionais como “Crossroads” e “Born Under a Bad Sign” às excêntricas “Strange Brew” e “Tales of Brave Ulysses”, culminando nas essenciais “Spoonful” e “Toad”. Seus maiores hits são “I Feel Free”, “Sunshine of Your Love”, “White Room”, “Crossroads”, e “Badge” (escrita por Clapton e George Harrison).
Depois de se separarem em novembro de 1968 os integrantes do Cream voltaram a tocar juntos em 1993, quando a banda foi incluída no Hall da Fama do Rock and Roll. O grupo se reuniu novamente em Maio de 2005, tocando no Royal Albert Hall onde haviam tocado seus últimos concertos em 1968. A última vez q a banda tocou foi em 24 - 26 de Outubro de 2005 no Madison Square Garden.
Fonte: Wikipédia.
Albuns
***Senha para descompactar os albuns = cream
Cream - Fresh Cream (1966)
Cream - Disraeli Gears (1967)
Cream - Wheels Of Fire (1968)
Cream - Goodbye (1969)
Cream - Live Cream - Vol. 1 (1970)
Cream - Live Cream - Vol. 2 (1972)
Blind Faith - Blind Faith (1969)
[Eric Clapton, Steve Winwood, Rich Grech & Ginger Baker]
01.Here With Me
02.Honestly Ok
03.See you When You´re
04.My Lover´s Gone
05.Thank You
06.Don´t Leave Home
07.Mary´s in India
08.Hunter
09.Life For Rent
10.White Flag
11.Sand In My Shoes
12.See you When You´re (Live)
13.Thank You (Live)
14.White Flag (Live)
http://rapidshare.com/files/65592111/Tr_Pasteldequeso_0029.rar
. Cd1
.
01. Robyn With Kleerup - With Every Heartbeat 03:16
02. David Guetta Feat. Chris Willis & Joachim Garraud - 03:21
03. Calvin Harris - The Girls 03:54
04. Mason Vs Princess Superstar - Perfect (Exceeder) 02:41
05. Armand Van Helden - Nyc Beat 03:10
06. Axwell Feat. Max'c - I Found U 02:52
07. Freemasons Feat. Bailey Tzuke - Uninvited (Club Mix 06:42
08. Seamus Haji Feat. Kayjay - Last Night A DJ Saved My 03:13
09. Groove Armada - Song 4 Mutya (Out Of Control) 03:38
10. Mika - Grace Kelly (Bimbo Jones Edit) 02:59
11. Booty Luv - Shine 03:23
12. Lucy Pearl - Don't Mess With My Man (Soul Seekerz R 02:49
13. Hi Tack - Let's Dance 03:07
14. Uniting Nations - Do It Yourself (Fonzerelli Commer 04:34
15. T - Empo Feat. Juliet Roberts-Saturday Night Sunday 03:24
16. Sunfreakz Feat. Andrea Britton - Counting Down The 03:27
17. Alibi Vs Rockerfeller - Sexual Healing 02:52
18. The Shapeshifters - New Day 03:22
19. Charlean Dance - Mr DJ (Moto Blanco Radio Edit) 03:07
20. Unklejam - Stereo (Mark Moore & Kinky Rolan Remix) 05:24
21. Carl Kennedy Vs Mync Project Feat. Roachford - Ride 03:17
22. Mutya Buena - Real Girl (Full Phatt Remix) 03:27
.
. Cd2
.
01. Eric Prydz Vs Floyd - Proper Education 03:19
02. Mark Ronson Feat. Lily Allen - Oh My God (Chris Lak 06:20
03. Just Jack - Starz In Their Eyes (Boss Boss Remix) 04:06
04. Reverend & The Makers - Heavyweight Champion Of The 05:33
05. Rune - Calabria 02:59
06. Dave Spoon Feat. Lisa Maffia - Bad Girl (At Night) 03:02
07. Bodyrox Feat. Luciana - Yeah Yeah (D Ramirez Radio 02:39
08. Super Mal Feat. Luciana - Bigger Than Big 02:55
09. Out Of Office - Hands Up 03:06
10. Pet Shop Boys - Integral (Dave Spoon Mix) 05:28
11. Mark Schuster - Don't You Want Me (Club Mix) 05:45
12. Corenell Vs Lisa Marie Experience - Keep On Jumpin 02:46
13. Sonny J - Can T Stop Moving 03:03
14. Roisin Murphy - Let Me Know 03:39
15. Tracey Thorn - Grand Canyon (Dirty South Edit) 04:32
16. Paul Van Dyk Feat. Jessica Sutta - White Lies 03:14
17. DJ Sammy Feat. Nyah - Everybody Hurts 03:22
18. Velvet - Fix Me 02:54
19. Tiesto - Adagio For Strings 03:25
http://rapidshare.com/files/65285591/Now_Dance_2008_2CD_2007_-_IMT.part1.rar
http://rapidshare.com/files/65286394/Now_Dance_2008_2CD_2007_-_IMT.part2.rar
pass: jozo.n
Tracks
Disco 1:
1. Wave (Tom Jobim)
2. Chega de saudade (Tom Jobim - Vinicius de Moraes)
3. Sabiá (Chico Buarque - Tom Jobim)
4. Samba do avião (Tom Jobim)
5. Garota de Ipanema (Tom Jobim - Vinicius de Moraes)
6. Retrato em branco e preto (Chico Buarque - Tom Jobim)
7. Modinha (Seresta nº 5) (Lobos - Manuel Bandeira)
8. Modinha (Tom Jobim - Vinicius de Moraes)
9. Canta, canta mais (Tom Jobim - Vinicius de Moraes)
10. Eu não existo sem você (Tom Jobim - Vinicius de Moraes)
11. Por causa de você (Dolores Duran - Tom Jobim)
12. Sucedeu assim (Marino Pinto - Tom Jobim)
Disco 2:
1. Imagina (Chico Buarque - Tom Jobim)
2. Eu sei que vou te amar (Tom Jobim - Vinicius de Moraes)
3. Canção do amor demais (Tom Jobim - Vinicius de Moraes)
4. Falando de amor (Tom Jobim)
5. Inútil paisagem (Tom Jobim - Aloysio de Oliveira)
6. Derradeira primavera (Tom Jobim - Vinicius de Moraes)
7. Canção em modo menor (Tom Jobim - Vinicius de Moraes)
8. Estrada do Sol (Dolores Duran - Tom Jobim)
9. Águas de março (Tom Jobim)
10. Samba de uma nota só (Newton Mendonça - Tom Jobim)
11. Desafinado (Newton Mendonça - Tom Jobim)
12. A felicidade (Tom Jobim - Vinicius de Moraes)
CLAVE/CONTRASEÑA/PASSWORD: gustavoeo.net o
gustavoeo.blogspot.com
Tracks
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David Jon Gilmour, agraciado com a Ordem do Império Britânico (nascido em 6 de Março de 1946) é o guitarrista e vocalista da banda inglesa Pink Floyd, tendo também editado álbuns solo bem como, colaborado com outros artistas. Depois da saída de Roger Waters a meio da década de 1980. Gilmour nasceu em Cambridge, Inglaterra e cresceu em Grantchester Meadows. A sua educação teve lugar na Waldorf School e foi durante muitos anos um modelo para essa escola, tendo no entanto descrito a sua educação como “horrível”. Gilmour conheceu Syd Barrett quando frequentava o Colégio de Artes e Tecnologia de Cambridge, embora não tenha pertencido á formação inicial dos Pink Floyd. O primeiro grupo de Gilmour chamava-se Joker’s Wild para quem começou a tocar em 1963. A banda mudou o seu nome para Flowers em 1967 tendo acabado nesse mesmo ano, tendo Gilmour formado os Bullitt. Juntou-se aos Pink Floyd em Janeiro do ano seguinte. Syd Barrett saiu do grupo alguns meses mais tarde tendo Gilmour assumido o papel de guitarrista principal.
Gilmour lançou o seu primeiro álbum, na Primavera de 1978. Uma das músicas que escreveu nesta epoca mas que não usou, evoluiu, tendo-se tornado no clássico dos Floyd Comfortably Numb. O seu segundo álbum About face foi editado em 1984. Roger Waters deixou os Pink Floyd em 1985 assumindo que sem ele os Pink Floyd se demembrariam. Em vez disso, Gilmour assumiu o completo controlo e criou "A Momentary Lapse of Reason". Gilmour explica: "Eu tinha um sem número de problemas com a direcção da banda no passado recente, antes de Roger sair. Eu achava que as músicas tinham muitas palavras, e que devido ao significado dessas palavras serem tão importantes, a música tinha-se tornado um mero veículo para as letras, o que não era muito inspirador...The Dark Side Of The Moon e Wish You Were Here tiveram um enorme sucesso, não apenas devido à contribuição de Roger, mas também porque havia um equilíbrio maior entre a música e as palavras do que em álbuns mais recentes. É isso que estou a tentar fazer em A Momentary Lapse Of Reason mais focado na música, restaurar o equilíbrio."
Em 2002 Gilmour fez uma série de concertos acústicos a solo em Londres e Paris, juntamente com uma pequena banda e coro, e que foi documentado na edição de David Gilmour in Concert. Durante os interregnos musicais dos Pink Floyd, Gilmour passava o tempo tocando como músico de estúdio, produzindo discos e até fez de engenheiro de som de palco para uma enorme variedade de espectáculos incluindo, algumas novidades e Roy Harper, Kate Bush, The Dream Academy, Grace Jones, Arcadia, Bryan Ferry, Robert Wyatt, Hawkwind, Paul McCartney, Ringo Starr, Sam Brown, Jools Holland, Propaganda, Pete Townshend, The Who, Supertramp (juntos criaram o êxito "Brother Where You Bound" do álbum com o mesmo nome), vários "supergrupos" de solidariedade e muito mais. Não sendo um guitarrista rápido, Gilmour é no entanto considerado um dos melhores de sempre. É especialmente reconhecido por ter um estilo muito preciso de solar, bem como pelos sons tipo-violino. Foi um inovador no uso de efeitos sonoros na guitarra. Muitos também consideram injusto que normalmente Gilmour não seja comparado com os melhores, tais como: Jimi Hendrix, Jimmy Page e Eric Clapton. Em 1996 Gilmour foi induzido no Rock and Roll Hall of Fame com os Pink Floyd. Em Novembro de 2003 foi-lhe atribuída a Ordem do Império Britânico. Gilmour é também um piloto experiente.
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Un pirata de Eric Clapton para los amantes del blues.
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Another edition of Altaya Publishing and Charly Blues Masterworks.Brazilian Edition
It would be impossible to research a comprehensive account of the number of tracks Hopkins cut during a 40-year career. There would always be incomplete studio records, lost masters and impenetrable pseudonyms to defeat the completist. But what can be marvelled at is the remarkable quality of so much of his vast output. Like John Lee Hooker he rarely submitted to the starjacket of the 12-bar form, preferring to linger when it pleased him, or while he invented the next line. This made him a backing musician's nightmare - keep it simple, and keep your ears open, were the golden rules. Sometimes, these rules were forgotten.But almost always the unique Hopkins genius shines through, as on the mid-late 60s sessions represented here. The voice is rich and reflective, capable of both anguish and a chuckling lasciviousness. And the guitar style of Lightnin' Hopkins is, bar none, the southern country blues at its most inventive, expressive and exciting. John Collins
Milton "Little Milton" Campbell, Jr. (September 7, 1934—August 4, 2005) was a blues vocalist and guitarist best known for his hits "Grits Ain't Groceries" and "We're Gonna Make It." Most popular in the sixties, he became one of the lesser known greats of the genre, combining traditional lyrical structure with smoother production.
It's 1965, and Gate's guitar sound is different — not so brash and trebly but smoother, with more of a jazz and occasional country kick. Most of these sides were never issued after being acquired by Chess. There are two takes of Little Jimmy Dickens's C&W novelty hit "May the Bird of Paradise," both of 'em swinging easy. Gate was in a Sonny Boy Williamson mood that day, reviving three of the harpist's oldies along with a few of his own and the ominous blues "Long Way Home," which threatens mayhem most charmingly.... by Bill Dahl
T. Bone Walker was of the generation who grew up with the country blues, the music of the plantations, the back porches, the small-town street corners and the travelling medicine shows. Why, he even helped Blind Lemon Jefferson around. But he was also one of the first bluesmen to catch on to potential of what electronics wizard Les Paul was up to in the 1930s.
Electric instruments and amplification proved crucial to the development of the blues, as it migrated from the rural south towards the industrial north. And out west, Walker was perfecting the electric blues. This technological development allowed for the move inte city clubs, and hence to concert halls and stadiums. And it also allowed for a degree of showmanship denied the acoustic player bent over his instrument, or howling into a primitive microphone. An extrovert could make good use of a long guitar lead, and Walker compiled a living textbook of guitar showmanship - the splits, the duckwalk, the "guitar-behind-the-head" trick.
It was this potential that Walker tapped into the 1940s, making him the archetype of the most familiar image of the modern bluesman, surviving most gloriously in the stage work of B.B. King - sharp-suited, urbane but flashy, exploiting the dynamics of the instrument.
Aaron Walker was born in Linden, Texas, in 1910, and began performing locally before moving to Los Angeles in the 1930s. The 'T. Bone' nickname was an Americanisation of his Cajun-sounding middle name Thibeaux. On the West Coast he met up with that other pioneer of the electric guitar, Charlie Christian, who went on to play with Benny Goodman. The jazz tinge was to become one of the elements in Walker's influential style. His first recordings date from 1942, and towards the end of the Second World War he was in Chicago, cutting some sides for the Rhumboogie label.
Back in Hollywood in 1946 he began the association with the Black & White label (and it the following year Comet) which produced his first classics and established him as one of the biggest stars on the urban blues scene. "Call It Stormy Monday" in particular, cut with five-piece that added trumpet and tenor saxophone to the usual small-combo backing of bass, drums and piano, was to remain indelibly associated with him.
His career was to continue on such labels as Capitol and Imperial, and echoes of his influent versality could be heard everywhere - in Chuck Berry's rock & roll, in the British blues of the '60s, in Jimi Hendrix's mind-boggling fusion of blues and psychedelia. Walker continued to record and tour until his death in 1975, and while worldwide fame to the extent, of that enjoyed by Muddy Waters and B.B. King was never quite his, he stands with them at the summit of the blues pantheon. And the most persuasive arguments for that assessment are included here.
- - by John Collins - -
(song list)
1. I Got a Break Baby
2. No Worry Blues
3. Bobby Sox Blues
4. I'm in an Awful Mood
5. Don't Give Me The Runaround
6. Hard Pain Blues
7. Goodbye Blues
8. I'm Waiting for Your Call
9. First Love Blues
10. Born to Be no Good
11. Inspiration Blues
12. Description Blues
13. T. Bone Shuffle
14. I Want a Little Girl
15. I'm Still in Love with You
16. West Side Baby
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(download)
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I could bore you with compiling a list of the musicians in the rock, blues, jazz, and new age field who were influenced by this master of electric blues but I will refrain from doing so. Albert King was one of those whose playing inspired me to learn guitar. I thought "heck, it sounds easy enough for me to play". Aah the naive thoughts of youth! Truth be told often the easiest sounding parts are the hardest to play and play with authority. Albert plays a lot of the same licks but inflects them differently in delivery - a talent that is in and of itself notable. He finds ways to transcend the patterns that all - himself included - fall into when playing. To quote Robert Palmer, his solos combine both "torrential power and striking freshness" and his style works not only in traditional shuffle style blues but also with r & b, funk, soul, jazz, and rock stylings backing him up.
Track Listing
1. Long Distance Call
2. Goin' Down Slow
3. You Don't Love Me
4. I'm a Man
5. Who Do You Love
6. The Red Rooster
7. Diddley Daddy
8. I Just Want to Make Love to You
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Classic tracks from legends... get it!! this is perfect for a barbecue...:-)
Track Listing
1. Hoodoo Man (Junior Wells)
2. Little Angel Child (Jimmy Dawkins)
3. Mama, Mama - Talk to Your Daughter (Magic Sam)
4. That's All Right (Bonnie Lee)
5. All Your Love ( I Miss Loving) (Otis Rush)
6. Everything's Gonna Be All Right (Carey Bell)
7. Good Morning Little School Girl (Big Joe Williams)
8. She's Allright (Memphis Slim)
9. Rollin' and Tumblin' (Little Walter)
10. City Boy Blues (Dave Specter & Lenny Lyn
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(born William Arnold, September 16,1935, Chicago, Ill.)
(aka Deacon L.J. Bates) (born July 1897, Couchman,TX; died December 1929, Chicago, Ill)
Blind Lemon Jefferson was one of the most influential country bluesmen the genre has known, as well as one of its first commercially successful recording artists. Jefferson's recording career was short; his nearly one hundred titles were all recorded between 1926 and 1929. But in that time he became one of the most popular male blues singers in black America. His success enabled other male blues artists to secure recording contracts in an era that was dominated by female classic blues singers such as BESSIE SMITH, MA RAINEY, and IDA COX. Little of substance is known about Jefferson's personal life. One of seven children, he was born blind in the late 1800s in East Texas and, most likely, learned to play guitar as a means of scraping out a meager living. Jefferson's handicap didn't hamper his artistry or his resourcefulness as an itinerant bluesman. In 1917, after performing at house parties, picnics, and dances around Worthman in central Texas, Jefferson moved to the Deep Ellum section of Dallas, where he played on street corners for spare change. Jefferson's reputation as singer-guitarist grew to the point where he attracted regular patrons when he played, and he earned enough money through tin-cup offerings to support a wife and child.
Although Jefferson is known as a bluesman, he also sang and played religious hymns, spirituals, work songs, and folk tunes in the tradition of a Southern songster. His vocal style included many of the mannerisms that would later define blues singing, including an elastic, thinly veneered vocal whine. But it was Jefferson's guitar style that had the biggest impact on his contemporaries and future generations of bluesmen. Jefferson constructed intricate melodic structures punctuated with irregular phrasing that often expanded standard tempo patterns. He also used, to great effect, single-string arpeggios, repeating bass runs on the lower guitar strings, and interesting jazzlike improvisations, which gave his style wonderful color and charisma.
Jefferson was also a first-rate songwriter and permanently altered the relationship that blues singers of the time had with professional songwriters. Before Jefferson, nearly all of the female classic blues singers relied on songs written by outsiders. Jefferson recorded many of his own songs. Some were admittedly take-offs on traditional folk-blues songs, but at his composing best, Jefferson artfully penned vivid lyrical accounts of eraly 1900s black culture in the South, especially Texas. Part of Jefferson's early fame stemmed from his regular travels beyond Dallas. There are accounts of him performing in Oklahoma, the Mississippi Delta, Atlanta, and the Carolinas. But it wasn't until 1925, when Jefferson was recommended to Paramount Records by SAMMY PRICE, a Dallas piano player/record store employee, and was invited to Chicago to record, that he had his biggest impact. Jefferson recorded blues and spirituals, the latter under the pseudonym Deacon L.J. Bates. His recording success led Paramount to search for other male blues singer-guitarists. In late 1926 they discovered BLIND BLAKE, who along with Jefferson provided Paramount with the two biggest-selling country bluesmen of the decade. Jefferson also recorded some sides for the Okeh label in 1927, including ''Match Box Blues'' and ''That Black Snake Moan''.
Jefferson recorded a number of other self-penned classics. ''See That My Grave is Kept Clean'' was an early blues spiritual tune that has been interpreted by countless blues musicians and has since become a permanent fixture in the country blues songbook. Jefferson also cut a number of East Texas folk-blues standards, including ''Jack O'Diamonds'' about the perils of gambling, ''Boll Weevil Blues'' about the dreaded insect that ravaged the East Texas cotton crop in the early twentieth century, and a revamped ''See See Rider'', which Jefferson called ''Corrina Blues''. Blind Lemon Jefferson died just as the first great blues era was coming to a close. The fact that no official death certificate has ever been found has given rise to numerous accounts of his passing in December 1929. The most colorful had Jefferson freezing to death in a Chicago snowstorm. Another account blamed a heart attack for his demise. It's quite possible that Jefferson suffered a heart attack during a Chicago snowstorm.
Track Listing
1. Broke and HUngry
2. Bad Luck Blues
3. Matchbox Blues
4. Easy Rider Blues
5. Rambler Blues
6. One Dime Blues
7. Mean Jumper Blues
8. Hangmans Blues
9. Oil Well Blues
10. Tin Cup Blues
11. Big Night Blues
12. Southern Woman blues
13. That Crawlin' Baby Blues
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Blind Willie Johnson was born in 1897 near Brenham, Texas (before the discovery of his death certificate, Temple, Texas had been suggested as his birthplace). When he was five, he told his father he wanted to be a preacher, and then made himself a cigar box guitar. His mother died when he was young and his father remarried soon after her death.[1]
Charlie Patton, better known as Charley Patton (May 1, 1891 - April 28, 1934) is best known as an American Delta blues musician. He is considered by many to be the "Father of Delta Blues" and therefore one of the oldest known figures of American popular music. He is credited with creating an enduring body of American music and personally inspiring just about every Delta blues man (Robert Palmer, 1995). Palmer considers him among the most important musicians that America produced in the twentieth century. Many sources, including some musical releases and even his gravestone, spell his name “Charley” even though the musician himself spelled his name “Charlie”.[citation needed]
Deep in the quagmire of mainstream pop culture, the blues continue to bubble, and it's purists such as vocalist Cathy Jean who keep the genre percolating. "Tear Me Apart" is a solid mixture of melancholy melodies, balls-to-the-walls blues rockers, and impassioned ballads. Recorded in what sounds like totally live-in-the-studio fashion (very few overdubs are detectable), Cathy Jean's debut twists and turns through a 14-song mountain of blues standards that would make the Swiss Alps envious. And yet, no matter who she borrows from, her voice is a beautiful instrument that serves her needs perfectly-- soulful and soaring, sultry and sexy, and subtly vulnerable at just the right moments. More importantly (and more thoroughly than anyone who comes immediately to mind), CJ inserts her persona and preoccupations into these cover versions; and her takes on classic tracks such as "I'm A Man" (re-written from a female slant) and "One Good Man" makes the former her own and gives new life to the tepid latter. She makes "Who Do You Love" a moving, varied song, as opposed to the schlock electric blues George Thorogood squeezed a hit from. From the spirited, up tempo romp of "Hello Little Boy" to the temperature-rising torch of "Sweet Blood Call," right on through the busy organ and big vocal pyrotechnics of "Rollin' & Tumblin'," "Tear Me Apart" does a marvelous job raising blood pressure. And on the swaying "Baby Get Lost," she piques the libido with, "I got so many men they're standing in line." Hmmmm... where do I take a number? On "Tear Me Apart," this lady doesn't just sing the blues, she feels 'em. And when that voice works each end of her angelic register (and every note in between), you can't help but feel 'em right along with her. That Cathy Jean has absorbed the obvious influences the blues has to offer while escaping their cliches already says a great deal about how tough this woman is. --MUSIC MONTHLY MAGAZINE, USA
Listening to the album "Tear Me Apart", you become aware of one thing: Cathy Jean is a most versatile and inventive artist for a woman still on the right side of thirty. On this debut set she covers a wide range of songs and sounds, which each test her abilities in various styles of blues, jazz, and jump. This whole album is interesting and entertaining, and doesn't lose anything by repeated playing. Cathy Jean knows how to pace herself, be it over a 2 1/2 minute rockin' number, or a 5 1/2 minute blues cut about needing "One Good Man". Of all the fine material contained on the set, perhaps it's "That's All Right", a bare bones acapella number which best indicates the cloth she is cut from.This gal isn't afraid to go out there and lay it all on the line, and let the listeners decide. Others have compared her to janis Joplin. There is indeed a similarity, Joplinesque phrasing does creep in, but this is no copyist. Just as her cover of the Billie Holiday classic "Do Nothing 'Til You Hear From Me" is similar in approach to Lady Day's version, but by no means an impersonation. What we are hearing is the application of the best aspects of a past talent, put to good use by a new talent, and that's always been the case in most art forms. Cathy Jean is a real star in the waiting. Very deserving of recognition and success. Equally important on this album are the fine musicians in the backing band. There are some wonderful solos and nice touches from all involved, never overshadowing but certainly enhancing the vocals. Recordings made "live in the studio" appear to be in vogue at the
moment. This album is such a collection, cut over a three day period in '95, but it works. The band comes together with each
other and with Cathy Jean. Her comment, "that was fine", at the close of the first number, is a real understatement if ever there was one! Featuring little post-recording tampering, you get an amazingly fresh feel which draws you into it. You can't help but like this attractive blonde from Baltimore, who has and wears more rings than Ringo Starr!! --DENMARK BLUES MAGAZINE
1 Trouble No More
2 Hello Little Boy
3 Ain't That Lovin' You
4 That's All Right
5 Baby, Get Lost
6 Rock This House
7 One Good Man
8 Mama, Talk To Your Daughter
9 I'm A Man
10 Who Do You Love
11 Sweet Blood Call
12 Rollin' and Tumblin'
13 You The Kind Of Women
14 Do Nothing 'Til You Here From Me
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Formed in Brussels back in 1969, Doctor Downtrip were to debut with a single for the Vogue label. The outfit’s slightly “psychedelic” leanings (with regards to their use of saxophone on “gravitation” and flute on “music for your mind”), gained them quite some attention. Who exactly was in the band remains a mystery, although the Dutchman J. Van Wagensveld did compose both songs on this effort. |
| In june 1970 they played the “Puzzle P-festival”(a famous Brussels club in the Rue De Bouchers) with many Belgian hardrock bands as well as headliner Wallace Collection. But the first highlight of their relatively brief career was their appearance at the Bilzen Rock & Jazz festival in august 1970 along such acts as Badfinger and Screaming Lord Sutch. Both festivals also had another Brussels band, Burning Plague on the bill. | |
| When by the end of 1970 Plague’s Michael Heslop (who was original from the USA) decided to put his band on hold, the announcement of his entry to Doctor Downtrip quickly followed. | |
 | After a while this new line-up (John Hastry on bass, Michael Heslop on guitar, Paul Van De Velden on drums, Michel Rorive on vocals and Sylvain Paul on organ) was really rocking as proven on the “summer festival Den Haan “ and the fondly-remembered Jemelle festival on august 8th,1971 where they supported Golden Earring and Genesis.(In april 1972 they supported Genesis a second time when they played in Arlon) |
  Ik more than a year before the new five-piece had an impressive armoury of self-penned compositions at their disposal, and the first proof of it, came in 1972 when they released the single “take my place” backed with “depressed” on CBS records. Both songs showed the real potential of this hardrock band as their fine organ/guitar work was finally captured on vinyl. After healthy sales a second two-tracker was scheduled for release, but without haste, as it was already 1973 when “jumpin’ in the air / winter’s coming” saw the light of day. | ||
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| The “A” side was a radio-friendly rock song (along with sing-along and handclaps) but it was the backside who made impression with yet another heavy song with great solo’s. An appearance as support act for Mark Bolan’s T-REX (on march 24th ,1973) at the big vorst/forest national hall also made impression. | ||
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| Therefore it came as a surprise to hear the band was working on a full-lp with a new singer; Jean Paul Goossens (and Serge Paul on second guitar). This first lp (recorded with Jean Huysmans in five days!) was without any doubt a cracking way to make their mark on the Belgian scene, and capable numbers such as “free morning time”, ”lost city”, “wanted”(heavy!!!) and the uptempo “big blue train” all demonstrated an uncanny knack for creating great hardrock-music. 1974 saw the release of another 7” with two reworked songs from that first album but after this, there was only silence from the Doctor’s camp. | ||
 | By the end of 1975 Doctor Downtrip had already undergone a few changes with Heslop & Paul leaving to be replaced by only a guitarplayer: José Cuisset who came from Lagger Blues Machine. But it wasn’t only the line-up who’s been changed, also the name was shortened to Downtrip. |
| After that, the band managed to record their second lp and for the first time produced it themselves (all other recordings were produced by Jean Huysmans). | |
| “If You Don’t Rock Now” was released in 1976 on CBS/Epic. Excellent hard-rocking stuff throughout; highlights were “sweet lies” and the awesome “getting louder”. Although they were a regular attraction at nations rock clubs and festivals, from then on, they no longer seem to have been able to get invitations to play the bigger support slots. | |
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| It took more than two years before another Downtrip album hit the shops, but “Downtown” was a fine third set. Especially the first side had storming numbers such as “scarecrow”, ”shout it out”, “dedicated to you” and the longer title song. | |
| Despite this album things started falling apart and by the end of the decade, the Downtrip members concluded that they were fighting a losing battle and had called it a day without making much of a fuss about it. | |
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 | 7” Gravitation / Music For Your Mind (Vogue VB 144 --- 1970) |
 | 7” Take My Place / Depressed (CBS 7974 --- 1972) |
 | 7” Jumpin’ In The Air / Winter’s Coming (CBS 1134 --- 1973) |
7” Anything Goes / Better Run Away (CBS 2366 --- 1974) | Lp IF YOU DON’T ROCK NOW (CBS/EPIC EPC81719 ---1976) -All I Need Is Your Lovin’ -Sweet Lies -Kiss -Mean Lady -Travellin’ Down The Road -Rock & Roll Fever -Red Light Lady -Truck Driver -Down The Line -Getting Louder |
 | Lp DOWNTOWN (CBS/EPIC EPC83664 --- 1979) -Scarecrow -Shout It Out -Dedicated To You -Downtown -Highway -Brand New Cadillac -C’mon Little Darling -Love Lights -Wrong -Belgian Rock & Roll |
Banda de São Francisco (EUA), inicialmente classificada como folk-rock ou rock psicodélico light. Foi capitaneada por David LaFlamme (guitarra) e sua mulher Linda (teclados). Traz ainda Patti Santos nos vocais. Durou de 1967-1974.Track listing
1. Creed of Love
2. Bye Bye Baby
3. The Grand Camel Suite
4. No Word for Glad
5. Lady Love
6. Words
7. Place of Dreams
8. Oranges and Apples
9. Anytime
10. Bitter Wine
11. Misery Loves
12. Company
13. Musicians
Formação da banda:
David LaFlamme / violin, vocals - Val Fuentes / drums, vocals - Pattie Santos / percussion, vocals - Hal Wagenet / guitar, vocals - Michael Holman / bass - Fred Webb / keyboards, vocals - Bill Gregory / guitar - Tom Fowler / bass
Guests possibly include:
José Chepitó Areas / percussion - Bill Atwood / trumpet - Coke Escovedo / percussion - Bob Ferreira / saxophone - Van Hughes / trombone - Sid Page / violin - Charles Peterson / saxophone - Gregg Rolie / keyboards - Bruce Steinberg / harmonica - Rolf Stuart / flute
Informações retiradas do site ProgArchives, que diz que o álbum é de 1972 e não de 1971. Eles classificam a It's a Beautiful Day como Proto-Prog.
Em breve aqui também o disco de estréia, de 1968.
Bom, de tanto as pessoas procurarem decidi postar esse álbum também no rapishare. Segue o link:
http://rapidshare.de/files/21238488/It_s_a_Beautiful_Day_-_1971_-_Choice_Quality_Stuff.rar.html
Previously unreleased Psychedelic Folk album from 1970 by Susan Christie, a Philly based sophomore folk singer who had one novelty hit for a major label in the late '60s. This album, which featured her psychedelic take on Country standards and hand crafted tales of inner-city solitude backed by a Folk-Funk rhythm section, was not considered commercially viable and shelved...until now! Uber-legend John Hill produced the album which features 8 tracks including a 12 minute 'drugsploitation' epic called 'Yesterday - Where's My Mind' featuring Susan flipping vocal styles between Janis Joplin and Margo Guryan. Finders Keepers. 2006.
1. Rainy Day
2. Paint a Lady
3. For the Love of a Soldier
4. Ghost Riders in the Sky
5. Yesterday Where's My Mind
6. Echo in My Mind
7. When Love Comes
8. No One Can Hear You Cry
http://rapidshare.com/files/6619657/SCPAL.rar
more | |
|---|---|
| 1. Shapes Of Things | Listen  |
| 2. Let Me Love You | Listen |
| 3. Morning Dew | Listen |
| 4. You Shook Me | Listen |
| 5. Ol' Man River | Listen |
| 6. Greensleeves | Listen |
| 7. Rock My Plimsoul | Listen |
| 8. Beck's Bolero | Listen |
| 9. Blues De Luxe | Listen |
| 10. I Ain't Superstitious | Listen |
| 11. Bonus Track: I've Been Drinking (Stereo Mix) | Listen |
| 12. Bonus Track: You Shook Me (Take 1) | Listen |
| 13. Bonus Track: Rock My Plimsoul (Stereo Mix) | Listen |
| 14. Bonus Track: (Beck's Bolero) | Listen |
| 15. Bonus Track: Blues De Luxe (Take 1) | Listen |
| 16. Bonus Track: Tallyman | Listen |
| 17. Bonus Track: Love Is Blue | Listen |
| 18. Bonus Track: Hi Ho Silver Lining | Listen |
| 1. Ride the Tiger |
| 2. That's for Sure |
| 3. Be Young You |
| 4. Caroline |
| 5. Devil's Den |
| 6. Come to Life |
| 7. All Fly Away |
| 8. Hyperdrive |
| 1. Fast Buck Freddie | Listen |
| 2. Miracles | Listen |
| 3. Git Fiddler | Listen |
| 4. Al Garimasu (There Is Love) | Listen |
| 5. Sweeter Than Honey | Listen |
| 6. Play On Love | Listen |
| 7. Tumblin' | Listen |
| 8. I Want To See Another World | Listen |
| 9. Sandalphon | Listen |
| 10. There Will Be Love | Listen |
| 11. Miracles (Singles Version) | Listen |
| 12. Band Introduction (Live) | Listen |
| 13. Fast Buck Freddie (Live) | Listen |
| 14. There Will Be Love (Live) | Listen |
| 15. You're Driving Me Crazy (Live) | Listen |
| 1. Cruisin' |
| 2. Dance With the Dragon |
| 3. Hot Water |
| 4. St. Charles |
| 5. Song to the the Sun: Ozymandias/Don't Let It Rain |
| 6. With Your Love |
| 7. Switchblade |
| 8. Big City |
| 9. Love Lovely Love |
Começou a tocar piano profissionalmente aos 12 anos em Rio Claro (SP) e mais tarde foi para São Paulo, onde se apresentou em diversas boates. Nos anos 60 mudou-se para o Rio de Janeiro, onde integrou o Copa Trio, que tocava em Copacabana e acompanhou Elis Regina, Quarteto em Cy, Jorge Ben. Em 1965 formou outro trio, o Rio-65, que partiu e turnê pela Europa com Edu Lobo, Rosinha de Valença, Silvia Teles e Rubens Bassini. Acabaram gravando um disco na Alemanha. Tocou também nos Estados Unidos com Elza Soares e, de volta ao Brasil, gravou com o grupo Abolição, formado exclusivamente por músicos negros, consolidando o embrião do movimento musical Black Rio. Mais tarde radicou-se nos Estados Unidos.
more
Pai da soul music brasileira, Tim Maia começou na música tocando bateria, mas logo passou para o violão. Em 1957, fundou no bairro carioca da Tijuca o grupo de rock Os Sputniks, do qual participaram Roberto e Erasmo Carlos. Em 1959, foi para os Estados Unidos, onde estudou inglês e entrou em contato com a soul music, chegando a participar de um grupo vocal, o The Ideals. Em 1969, foi chamado para gravar em dueto com Elis Regina a sua composição “These Are The Songs” no disco da cantora. A projeção rendeu um convite para um LP, “Tim Maia” (1970), que obteve grande sucesso graças às músicas “Primavera” (de Cassiano) e “Azul da Cor do Mar” (de Tim). Nos anos seguintes, mais discos e mais sucessos, como “Não Quero Dinheiro (Só Quero Amar)”, “Réu Confesso”, “Gostava Tanto de Você” (Edson Trindade). Em 1975, convertido à seita Universo em Desencanto, gravou os dois volumes “Tim Maia Racional”, por sua própria gravadora, a Seroma. No ano seguinte, estava de volta à Polydor e ao repertório secular. Mais sucessos seguiram: “Sossego” (do LP “Tim Maia Disco Club”, de 1978). Leia mais...
Capixaba de Cachoeiro do Itapemirim, aos 9 anos já chamava a atenção na rádio local imitando o cantor Bob Nelson. Aos 12 mudou-se para Niterói com a família, e começou a fazer amizades com outros rapazes que gostavam de música, especialmente o rock'n'roll que vinha dos Estados Unidos. Em 1957 formou com alguns amigos, inclusive Tim Maia, o conjunto "Os Sputniks". No ano seguinte já era integrante do "The Snakes", junto com Erasmo Carlos. Com esse grupo chegou a participar do programa Clube do Rock, de Carlos Imperial, na TV Continental. Gravou alguns compactos no final da década de 50 e em 1961 lançou o primeiro LP, "Louco por Você". A partir daí passou a investir, com apoio da gravadora CBS, no incipiente mercado de música jovem. Para isso juntou-se ao amigo Erasmo e passou a fazer versões e compor músicas como "Splish Splash", "O Calhambeque", "É Proibido Fumar" e outras que visavam ao filão juventude transviada, criando o primeiro movimento de rock feito no Brasil. Em 1965 estreou, ao lado de Erasmo e Wanderléa, o programa Jovem Guarda, na TV Record, que daria nome ao movimento. O desafio do programa era manter a elevada audiência das tardes de domingo, até então garantida pela transmissão dos jogos de futebol e agora ameaçada, já que as transmissões haviam sido proibidas. O programa não só manteve a audiência, como conseguiu aumentá-la. Roberto Carlos foi um dos primeiros ídolos jovens da cultura brasileira. Além do programa e dos discos, estrelou filmes, inspirados no modelo lançado pelos Beatles nos anos 60. O primeiro longa, "Roberto Carlos em Ritmo de Aventura", foi lançado em 1967, seguido por "Roberto Carlos e o Diamante Cor-de-rosa" e "Roberto Carlos a 300km por Hora". Leia Mais....
Nos anos 70, com o esmorecimento do movimento da Jovem Guarda, muda de estilo e torna-se um cantor e compositor basicamente romântico. Foi a partir daí que seu público-alvo deixou de ser o jovem e passou a ser o público adulto. Nessa linha, seus grandes sucessos são "Detalhes", "Emoções", "Café da Manhã", "Força Estranha", "Guerra dos Meninos", "Fera Ferida", "Caminhoneiro", "Verde e Amarelo". Recentemente passou a dedicar-se mais ao filão religioso de sua obra, com o sucesso da música "Nossa Senhora". A carreira de Roberto Carlos é superlativa. Desde 1961 conseguiu a incrível façanha de lançar um disco inédito por ano, interrompida apenas em 1999 por causa da doença de sua então esposa, Maria Rita, que viria a falecer. Nos últimos anos esse lançamento acontece invariavelmente no Natal. Seus discos já venderam milhões de cópias e bateram recordes de vendagem (em 1994 bateu a marca de 70 milhões de discos vendidos). Fez milhares de shows em centenas de cidades, no Brasil e no exterior. Seu fã-clube é um dos maiores de todo o mundo. Dezenas de artistas já fizeram regravações de suas músicas. Já lançou discos em espanhol e inglês, em diversos países. Atualmente continua se apresentando com freqüência e todo ano produz um especial que vai ao ar na semana do Natal pela TV Globo, mesma época do lançamento dos seus discos anuais. Leia Mais...
Nasceu em Niterói (RJ) e teve uma infância e adolescência normais de um jovem de classe média. Nos anos 60 participou de programas de calouros interpretando músicas dos Beatles. Em seguida gravou um compacto com "You've Got to Hide Your Love Away" e "Meu Bem", versão de "Girl", ambas de Lennon e McCartney. Outros sucessos foram "Pequeno Príncipe", "A Praça" (Carlos Imperial) e "Escuta, Meu Amor" (Arnaldo Sacomani). Desde então tornou-se um ídolo da juventude, sendo apresentador, em 1966 do programa O Pequeno Mundo de Ronnie Von, da TV Record. Foi um dos principais cantores e galãs da Jovem Guarda, e continua se apresentando com repertório de músicas românticas e da década de 60.
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Texto de Ricardo Schott, publicado no site The Freakium!.
01. Pra Ser Sincero - Marisa Monte
02. O Sol - Jota Quest
03. Tiro Onda - Jair Oliveira
04. Quando a Chuva Passar - Ivete Sangalo
05. Outra Vez - Ivo Pessoa
06. Totalmente Demais - Perila
07. Muito Perigoso - Preta Gil
08. Erva Venonosa (Poison Ivy) - Rita Lee
09. Fullgás - Marina Lima
10. Vento no Litoral - Legião Urbana
11. Alô! Alô! Marciano - Elis Regina
12. The Frog - Sergio Mendes
13. Porto dos Sonhos - Ricardo Ottobomi e Iuri Cunha
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VSO ConvertXtoDVD lhe permite converter seus vídeos em DVD, com suporte para uma ampla variedade de formatos.
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Descrição
DVDShrink é ótimo para ser usado em conjunto com softwares de gravação de DVD, criando cópias de qualquer disco. Para gravar discos você pode usar o Nero ou alternativas gratuitas como o CDBurnerXP e o Infra Recorder. Os arquivos podem ser salvos no seu disco rígido ou como imagem ISO e gravados mais tarde.
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1. Chicago
2. I Get It
3. Only Fooling Myself
4. Top Of the World
5. One Way Or Another
6. It's Only Life
7. Might Have Been
8. Facing Up
9. No Good
10. Devil In Me
11. I Won't Disagree
12. Wish You Were Here
13. Kindly Unspoken
78 MB
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Genre: Soundtrack (OST)
Year: 2007
Country: Canada
Format: MP3
Duration: 2:04:14
Archive Size: 166 MB
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